Steen Foege est un peintre danois installé à Copenhague peint des paysages, imaginaires et lumineux, traversés de ciels aux couleurs vives. Ses œuvres ont trouvé ces dernières années un public international qui dépasse largement ce qu'il avait imaginé.
Racontez-moi votre parcours.
J'ai toujours eu un lien fort avec l'expression visuelle. J'ai d'abord étudié le design graphique à la Royal Danish Academy, School of Architecture, et j'ai travaillé pendant de nombreuses années dans le design et la communication visuelle. Le dessin et la peinture ont toujours fait partie de ma vie, mais avec le temps, la peinture a pris une place de plus en plus importante. Aujourd'hui, elle est devenue centrale dans qui je suis.
Mon évolution en tant que peintre a été assez organique. J'ai beaucoup peint, beaucoup expérimenté, et j'ai progressivement appris à faire confiance à mon instinct. Ces dernières années, mes paysages ont trouvé un langage qui me ressemble vraiment.
Qu'est-ce qui vous a mené à la peinture ?
Je pense que c'est la liberté qu'offre la peinture qui m'a attiré. Contrairement au design, la peinture n'a pas besoin de résoudre un problème ou de transmettre un message précis. Elle peut simplement exister et créer une émotion.
Je suis fasciné par la nature, la lumière, la couleur, et surtout le ciel. Un paysage peut être d'une simplicité extrême tout en contenant un espace émotionnel immense.
Comment décririez-vous votre processus créatif — peignez-vous de mémoire, à partir de photos, ou sur le motif ?
Je ne peins ni à partir de photos, ni directement d'après nature. Mes paysages sont imaginaires.
Je commence généralement sans savoir exactement où la peinture va me mener. Je travaille de manière intuitive avec la couleur, la lumière, l'atmosphère et la composition. Une décision en entraîne une autre. Parfois, quelque chose d'inattendu se produit, et c'est très souvent là que la peinture devient intéressante.
Je n'essaie pas de décrire un lieu précis. J'essaie de créer un lieu qui paraît familier, même s'il n'a jamais existé.
Y a-t-il un moment ou une période de votre carrière qui vous marque particulièrement ?
Ces deux dernières années ont été extraordinaires pour moi. Mes peintures ont touché un public international bien plus large que ce que j'aurais jamais imaginé, notamment via Instagram, et mon travail trouve aujourd'hui des collectionneurs dans de nombreux pays différents.
Voir des personnes venues d'horizons complètement différents réagir avec émotion à des paysages aussi simples a été incroyablement significatif pour moi. Ça m'a fait réaliser que quelque chose de très personnel peut aussi devenir universel.
Que cherchez-vous à transmettre à travers votre art ?
J'espère que mes peintures créent un instant de calme.
Nous vivons dans un monde très rapide et de plus en plus numérique, où notre présence en ligne semble prendre une place toujours plus grande dans nos vies. Je crois que c'est peut-être pour cette raison que nous développons un désir encore plus fort de paix et de silence dans la nature — d'espaces ouverts, de lumière, d'air, et d'un sentiment de simplement être présent.
C'est peut-être ce que les gens reconnaissent dans mes tableaux. Ils offrent un espace paisible, loin de tout ce bruit.
Je ne veux pas dire aux gens exactement ce qu'ils doivent ressentir en regardant mes tableaux. Je préfère laisser de la place à leurs propres souvenirs, leur imagination et leurs émotions.
Y a-t-il une citation qui vous guide, ou qui résume votre rapport à l'art ?
Je reviens souvent à une pensée très simple, la mienne :
« Quand tout est précis, il n'y a plus de place pour l'imagination. »
Pour moi, la peinture n'a jamais vraiment été une question de précision. C'est une question d'atmosphère, d'intuition et de ressenti — et il s'agit de laisser suffisamment de choses non-dites pour que le spectateur puisse entrer dans le tableau à sa manière.
